About + Texte — STELLA BACH

Gedanken zur Ausstellung KEEP BREATHING

Sabine Fellner

Stella Bach ist eine feministische Künstlerin, die sich mit grundlegenden existenziellen Fragen auseinandersetzt: mit den Entfaltungsmöglichkeiten des Selbst, der Verortung des Individuums in der Gesellschaft, den Beziehungen zwischen den Geschlechtern, herrschendem weiblichen Rollenverständnis, Frauensolidarität und Frauenkonkurrenz, der Suche nach Vorbildern und Schönheitsidealen sowie dem gegenwärtigen Umgang mit unserer Umwelt. Dabei bedient sie sich unterschiedlichster Medien – von Malerei, Fotografie und Skulptur bis hin zur Installation.

Die in dieser Ausstellung präsentierten Werke entstanden zwischen 2013 und 2026. In ihnen nutzt Stella Bach die Collage als zentrales Medium ihrer feministischen Kunstpraxis.

Der Begriff Collage bezeichnet im wörtlichen Sinn ein „Klebebild“, bei dem unterschiedliche Materialien, Bilder, Texte und andere Elemente auf einer Unterlage zusammengefügt werden, um aus ursprünglich nicht zusammengehörenden Bestandteilen ein neues Ganzes zu schaffen. Um 1910 begannen Georges Braque und Pablo Picasso, Zeitungsausschnitte und Tapetenfragmente in ihre Gemälde zu integrieren. Sie nannten das Ergebnis papier collé – ein Begriff, aus dem später die Bezeichnung Collage hervorging. Mit Hannah Höch, einer Vertreterin der Dada-Bewegung, entdeckte die feministische Kunst die Collage bereits in den 1920er-Jahren als wichtige Ausdrucksform. Höch kombinierte Bilder von Frauen aus Modezeitschriften mit Symbolen der Industrie und Technik, um die einseitige und stereotype Darstellung der Frau in den Medien sichtbar zu machen und zu kritisieren.

Bis heute ist die Collage ein zentrales Medium feministischer Kunst. Durch das Zerschneiden, Neuarrangieren und Überlagern von Bildern aus Werbung, Magazinen, Zeitungen und digitalen Medien dekonstruieren Künstlerinnen patriarchale Zuschreibungen weiblicher Identität. Die Zerstückelung und Neuzusammensetzung von Körperbildern dient dazu, normative Vorstellungen von Körperlichkeit aufzubrechen, Fragen von Genderidentität zu verhandeln und Selbstbestimmung einzufordern. Die Collage ermöglicht es unterschiedliche Aspekte weiblicher Erfahrung sichtbar zu machen und komplexe gesellschaftliche Zusammenhänge eindringlich zu veranschaulichen. Ein hervorragendes Beispiel hierfür bildet eine Werkserie von Stella Bach, die chronologisch am Beginn der hier gezeigten Arbeiten steht.

Die Künstlerin Mathilde ter Heijne sammelte für ihre Arbeit Unknown Women (2010) historische Frauenporträts, die sie in Bildarchiven, Antiquariaten und im Internet zusammengetragen hatte. Die Dargestellten bleiben anonym; über ihr Leben ist nichts überliefert. Im Rahmen der Ausstellung Any Day Now im Lentos Kunstmuseum Linz stellte ter Heijne diese Porträts 2011 zur freien Entnahme zur Verfügung und warf damit Fragen nach individueller und gesellschaftlicher Identität von Frauen auf.

Stella Bach greift diese Fragestellung 2013 auf und verschärft sie durch die Verwendung eben jener Fotografien. Sie beginnt die Serie Meditations in an Emergency, in der sie die Porträts der namenlosen Frauen – ihre Fotografien tragen lediglich die Namen ihrer männlichen Fotografen – mit historischen Pflanzenaquarellen des flämischen Blumenmalers Pierre-Joseph Redouté verbindet. Während die Frauen anonym bleiben, sind die Pflanzenbilder mit einer Fülle an Informationen versehen: botanische Klassifizierungen, Familienzugehörigkeiten und Stammbäume dokumentieren ihre Identität bis ins Detail. Durch malerische Interventionen setzt Bach die nicht identifizierten Frauen in engste Beziehung zu den eindeutig bestimmten Pflanzen und verleiht ihnen gewissermaßen eine Identität aus zweiter Hand. Diese ebenso kluge wie poetische Geste macht die historische Auslöschung weiblicher Identität auf eindringliche Weise sichtbar.

Mit Aquarell und schwarzer Tusche umkreist die Künstlerin die Porträts gestisch und verbindet sie mit ihren pflanzlichen Alter Egos. Die Übermalungen nehmen unterschiedliche Formen an: sie werden zu Helmen, Masken, Schleiern, Ranken, Fühlern, Tentakeln oder Waffen, die die Pflanzen mal behutsam und zärtlich tastend, mal beinahe aggressiv umschließen oder vereinnahmen. Diese malerische Ornamentik legt auf subtile Weise weltanschauliche und symbolische Bedeutungsebenen frei. Sie vergegenwärtigt gesellschaftliche Zwänge und Konventionen, in die Frauen eingebunden waren – und vielfach noch immer sind.

Die Lebenswelt der Frau mit ihren vielfältigen Erfahrungen und Zuständen, ihren Träumen, Albträumen und Schreckbildern steht auch im Zentrum der großformatigen Collagen. Wie bereits Meditations in an Emergency zeigt, entwickelt Stella Bach dabei eine ganz eigene, unverwechselbare Form dieses Mediums. Sie beschränkt sich nicht darauf, fotografische und textliche Fragmente zu neuen Bildwelten zusammenzufügen, wie es ihre Vorläuferinnen der Zwischenkriegszeit, etwa Hannah Höch oder Friedl Dicker, getan haben. Vielmehr setzt sie ihre Bildfragmente in malerische Bildräume, die in Aquarell und Tusche entstehen. Bisweilen handelt es sich um stimmungsvolle Landschaften, häufiger jedoch um unbestimmte, atmosphärisch dichte Räume, die sich einer eindeutigen Definition entziehen.

Ihre fragmentierten und bearbeiteten Bildvorlagen entnimmt die Künstlerin nicht nur Zeitschriften, Magazinen, der Modewelt oder Werbung, sondern ebenso selbstbewusst der Kunstgeschichte. Ikonische Porträts von Künstlern wie Lukas Cranach, Tizian oder Leonardo da Vinci betrachtet sie aus feministischer Perspektive und unterzieht sie einer Neuinterpretation. Durch die Überlagerung mit zeitgenössischen Fotografien und malerischen Interventionen, deren Formensprache bereits aus Meditations in an Emergency bekannt ist, löst sie die Werke aus ihrem historischen Kontext und überführt sie in eine Überzeitlichkeit.

So entstehen durch Fragmentierung, Überlagerung und Neuassemblage unterschiedlicher Zeitebenen surreale, traumartige Bildwelten voller Poesie, in denen zugleich ein leises Unbehagen mitschwingt. Logik und Vernunft treten zurück, Traum und Wirklichkeit beginnen ineinanderzufließen. Es scheint, als eröffne sich ein Blick in das Unbewusste. Gerade darin liegt die visionäre Kraft dieser Arbeiten. Sie öffnen Räume für bislang nicht gestellte Fragen, für spontane Assoziationen und für hoffnungsvolle Utopien. Zugleich machen sie deutlich, dass wir uns unserer historischen Prägung nicht entziehen können, wie bereits Titel wie Heritage oder Ehrung der Vorfahren erkennen lassen. Stella Bach führt uns vor Augen, dass der Blick zurück helfen kann, die eigene Identität zu klären. Die Frage nach Herkunft und Verbundenheit mit den vorangegangenen Generationen ermöglicht erst die Verortung im Hier und Jetzt.

Stella Bachs „poetischer Feminismus“ verhandelt gesellschaftliche Verwerfungen, Gleichberechtigung, Weiblichkeit, Geschlechterrollen und existentielle Bedrängnis – emotional subtil, nuancenreich und atmosphärisch dicht.

Dass auch die Bedrohung unserer Umwelt durch die Klimakrise zu ihren zentralen Themen gehört, überrascht daher nicht. In der Arbeit Worlds End, entstanden zwischen 2007 und 2012, dokumentiert sie ihre Reise nach Feuerland. Charles Darwin machte hier 1832 während seiner berühmten Weltreise Station. Die Lebensbedingungen der indigenen Bevölkerung beeindruckten ihn nachhaltig und lieferten wichtige Anregungen für seine spätere Evolutionstheorie.

Fasziniert von der Resilienz der Ureinwohnerinnen und Ureinwohner, die in der von Gletschern und Mooren geprägten Landschaft nur überleben konnten, indem sie sorgsam und beständig ein Feuer hüteten, sammelte Stella Bach im örtlichen Museum historisches Bildmaterial. Dieses verbindet sie mit eigenen Fotografien und Aquarellen zu einem Leporello. Klug wählt sie die Form des Faltbuchs, ermöglicht sie doch sowohl die Betrachtung einzelner Seiten als auch des gesamten Bildkontinuums auf einen Blick. Die Abfolge der Bildseiten entwickelt eine Dramaturgie, die an einen Filmstreifen erinnert und von existenzieller Bedrohung und Überleben erzählt. Einige Jahre später entsteht, 2018, ein weiteres Leporello, das eine Reise nach Island dokumentiert. Die elf Meter lange Bildfolge ermöglicht es der Künstlerin, in einer Art filmischer Schuss-Gegenschuss-Technik zugleich die überwältigende Schönheit unberührter Natur und die zerstörerischen Folgen menschlicher Eingriffe sichtbar zu machen.

Stella Bach arbeitet in Zyklen, die sie immer wieder an den Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschungsarbeit zurückführen. Gerade diese wiederkehrenden Anfänge eines langen kreativen Prozesses schätzt sie besonders. In Starting and Starting – again and again krönt daher das Ei in seiner vollkommenen Form – Symbol des Anfangs ebenso wie der Fruchtbarkeit – eine Installation aus übereinander geschichteten Leitern. Diese stehen für das unermüdliche Bemühen und die Anstrengung, die zahlreichen Phasen schöpferischer Arbeit zu durchschreiten.

Liebe, Angst und Tod bestimmen unsere Existenz. Die symbolisch aufgeladene Atmosphäre von Stella Bachs Bildwelten, ihre Poesie, Fantasie und Empfindsamkeit konfrontieren uns mit einer bedrängenden Gegenwart. Zugleich besitzen sie die Kraft, Räume für Visionen zu öffnen und Trost zu spenden.

Text von Paula Marschalek

Forms of Exchange

Stella Bach widmet sich in ihren Arbeiten den verborgenen Lebensformen, die das menschliche Dasein auf zellulärer Ebene mitprägen. Ihre Zeichnungen und Malereien greifen Erkenntnisse aus Mikrobiologie, Medizin und Evolutionsforschung auf. Sie thematisieren die symbiotischen Beziehungen zwischen Mikroorganismen, Pilzen und pflanzlichen Lebensformen als Grundlage biologischer Entwicklung. Dabei stellt sie nicht nur die ästhetische Sichtbarkeit mikrobieller Strukturen in den Fokus, sondern auch deren kulturelle Codierung: zwischen Nützlichkeit und Angst, Heilung und Stigma. Überlebensstrategien von Pflanzen in extremen Umwelten sowie das Mikrobiom als Träger von Gesundheit und Identität eröffnen ein weites Feld für künstlerische Reflexion. Der Austausch als Prinzip der Koexistenz, verstanden als biologisches wie soziales Prinzip, wird zum zentralen Motiv.

In Zeiten ökologischer Krisen verweist Bachs Arbeit auf das fragile Gleichgewicht zwischen Mikro- und Makrokosmos und erinnert an Donna Haraways Forderung, Sympoiesis – das gemeinsame Werden – ins Zentrum unseres Denkens zu stellen.

Textcredit: © Paula Marschalek

In Stella Bachs vielfältigen Werk finden sich immer wieder Collagen, in denen mit großer Leichtigkeit und hohem sinnlichem Gespür Fotografie mit Malerei und Zeichnung kombiniert werden. In den hier zu sehenden Bildern lässt sich die Künstlerin von Motiven aus der Werbung und Modewelt inspirieren. Bach schneidet Fotos von Modellen aus, legt sie aufs Papier und verschränkt sie mit malerischen wie zeichnerischen Welten, mal abstrakt und expressiv, dann wieder gegenständlich und zart. Vom ursprünglichen Kontext separiert entwickeln die Modelle ein Eigenleben. Sie werden Teil einer poetisch künstlerischen Wirklichkeit, die sich einer klaren Interpretation entzieht.
Textcredit: © Günther Oberhollenzer

Stella Bach's diverse oeuvre repeatedly features collages in which photography is combined with painting and drawing with great ease and a high sensual sense. In the images on view here, the artist draws inspiration from motifs from advertising and the fashion world. Bach cuts out photos of models, puts them on paper, and interweaves them with worlds of painting and drawing, sometimes abstract and expressive, then again representational and delicate. Separated from their original context, the models develop a life of their own. They become part of a poetic artistic reality that eludes clear interpretation.

Textcredit: © Günther Oberhollenzer

STELLA BACH legt Bedeutungsschichten und Sinnebenen frei, indem sie mit ihrem Ausgangsmaterial sowie durch die Wahl ihrer Mittel multiple Schichten übereinanderlegt.

Dies trifft für ihre Malerei, Zeichnung und Plastik im gleichen Maße zu, wie für die Collage, die ja per se eine Schichttechnik ist. Die wahrscheinlich eher intuitiv, denn bewusst gesetzten

Zeichen bilden um Frau und Pflanze Räume, binden sie aneinander, bemächtigen sich des jeweils anderen und machen überkommene gesellschaftliche Rollenbilder und Klischees sichtbar. Insofern bricht Bach mitdem Naturkonzept der Romantik und sucht es aus seiner

kulturellen Umklammerung zu befreien. Natur, auch die weibliche, wird in Bachs Bildern viel mehr zur Selbstevidenz, zum selbstverständlich So-Seienden.

Die Bronzeplastik einer jeans-bekleidete junge Frau balanciert mit konzentriertem Blick sieben überdimensionierte rote Eier. „Woman multitasking“, so der Titel, charakterisiert treffend die eigene Biografie der Künstlerin und jene vieler Kolleginnen, die scheinbar

spielend Kunstproduktion, Brotberuf und Familie unter einen Hut bringen.

Dem Ei – als Synonym für den Ursprung allen Lebens – begegnen wir in einem Zyklus von zarten Farbstiftzeichnungen wieder. Wie eine Fruchtblase umgibt die Eiform die menschlichen und tierischen Protagonisten der Serie „ANIMA(L)“, wobei Bach im Titel mit dem Doppelsinn der Begriffe „Anima“ und „animal“ spielt.

Durch die Überlagerung der entindividualisiert skizzierten Menschenantlitze und Tierköpfe kommt es visuell zu einer Verschmelzung der beiden Kreaturen zu Mischwesen, die Animus und Anima, humane und animalische Wesenszüge in sich vereinen, was ja bei uns oft

in sprachlichen Analogien deutlich wird.

(Auszug einer Rede von Maria Holter anlässlich der Eröffnung der Ausstellung „Oh, Wildnis!“ in der eborangaleriewien im Mai 2018.)

MODE UND FEMINISMUS

„Feministische Kunst“ ist nicht gleich „Frauenkunst“

„Wenn wir uns für Mode interessieren, beschäftigen wir uns mit Machtverhältnissen und ihren Artikulationen auf physischer Ebene.“

(Kim Sawchuck)

Anfang der 80er Jahre kam eine Umfrage der Zeitschrift Emma zu dem Ergebnis, daß die Sorge um dasAussehen bei ihren Leserinnen nach wie vor eine große Rolle spielte. Protestierten die Feministinnen der 70er Jahre noch gegen die „Versklavung der Frauen durch Schönheits- und Modenormen“ und betrachteten sie die Mode noch als „Mittel zur Unterdrückung, Objektivierung, Spaltung und Verdummung von Frauen“, so scheinen nun auch Feministinnen dazu bereit zu sein, Mode als ein Mittel der Selbstverwirklichung und -bestimmung anzunehmen. Gegen Mode als selbstbestimmtes, individuelles Ausdrucksmittel ist auch aus feministischer Sicht nichts einzuwenden. Alice Schwarzer plädiert in Emma für „würdevolle, bequeme Kleider, in denen große Schritte gemacht werden können.“ Feministinnen behaupten, sich nur „für sich selbst“ gut zu kleiden. Aber - ist es möglich, Mode aus dem sozialen Kontext auzuklammern und auf eine rein individuelle Ebene zu heben?

Mode ist nach Beaudrillard ein „universalisierbares Zeichensystem, das alle anderen unter seine Gewaltbringt, so wie der Markt alle anderen Tauschweisen eliminiert“. Die Zeichen der Mode sprechen eine Sprache der Abgrenzung oder Zugehörigkeit, eine Sprache der Anpassung oder der Revolte. Die Wahl der Kleider könnte somit als eine symbolische Politik betrachtet werden. Allerdings mache frau sich durch die Modesucht auch „zur Komplizin des kapitalistischen Warenfetischismus“. (Isabelle Graw)

Im gesellschaftlichen Spiel des „Sehens und Gesehenwerdens“ ist es so, daß Frauen sich dem vorherrschenden männlichen Blick preisgeben. Sie lernen von Anfang an, sich selbst ständig zu beobachten und zu kontrollieren, ob sie den Erwartungen der fremden Blicke entsprechen. Sie inszenieren sich für die Blicke der anderen, die sie längst als den eigenen Kodex verinnerlicht haben, so daß sie immer (männlicher)

Beobachter und (weibliche) Beobachtete, Subjekt und Objekt in einer Person sind.

Genau an dieser Grenze zwischen Subjekt und Objekt stellt sich die Frage nach Selbst- und Fremdbestimmung. Die Oberfläche des modisch inszenierten Körpers ist die Fläche der Projektion und Präsentation der gesellschaftlichen Verhältnisse.

Models spielen in diesem Szenarium immer mehr die Rolle von Vorbildern und Identifikationsfiguren. Sie haben großteils das Bild der dummen Puppe abgelegt, und den Status eines Stars mit Persönlichkeit erlangt. Inwieweit aber Stars in einer patriarchalischen Gesellschaft gemacht und geprägt werden von deren Wünschen ist eine andere Frage. Und inwieweit Frauen sich unbewußt diesen Maßstäben unterwerfen, und dabei der Illusion unterliegen, selbstbestimmt zu agieren, ist noch eine Frage ....

Nirgendwo sonst ist die Benachteiligung von Frauen so krass wie im Bereich der bildenden Kunst. Der Anteil von Künstlerinnen bei internationalen Großausstellungen liegt bei ca. 9%. Bei führenden Galerien und Kunstmessen bei 14%. Innerhalb von 17 Jahren gab es im Museum des 20. Jahrhunderts in Wien 93 Einzelausstellungen, davon nur 2 von Künstlerinnen. Dabei sind aber die Hälfte aller AbsolventInnen

von Kunsthochschulen weiblich. Diese Zahlen sprechen für sich.

„Sich ein Bild zu machen“ war schon immer geprägt von der Dominanz des männlichen Blicks. Der männliche Maler setzte die Muse (möglichst nackt) aufs Bild und stattete sie mit den Attributen seines Begehrens aus. Als die „Musen“ sich aus der erstarrten Haltung befreiten, und begannen sich selbst als Künstlerinnen zu definieren, stießen sie auf erhebliche gesellschaftliche Widerstände. Feministische Künstlerinnen reagieren darauf. Sie bestehen auf einer Abgrenzung gegen den Begriff „Frauenkunst“. Sie lehnen die patriarchalisch bestimmte Kultur ab.

Der Gefahr einer Verghettoisierung einer Kunst von Frauen, wie sie eben in dem Begriff „Frauenkunst“ enthalten ist, sind sich feministische Künstlerinnen voll bewußt.

Auch gegenüber der Zuordnung zu einer spezifisch „weiblichen Ästhetik“ sind einige feministische Künstlerinnen sehr skeptisch, weil sich die Inhalte und Formen ihrer alternativen Eigenheit wiederum nur durch Abgrenzung zur „typischen Männerkunst“ hin definiert, und damit die Doppelbödigkeit der geschlechts- und gesellschaftsspezifischen Unterdrückung und Entfremdung des Menschen im Kapitalismus verleugnet.

Die Domäne des Körpers galt schon seit jeher als die der Frau. Mode, Tanz und Schauspielkunst sind durch weibliches Schöpfertum belegt. Auch in der bildenden Kunst sind die körpergebundenen Manifestationen vorherrschend. Feministische Künstlerinnen sind sich aber der Gefahr der Zuordnung zur „Naturnähe“ bewußt, was Simone de Beauvoir in ihrem berühmt gewordenen Statement „Die Natur der Frau ist eine Falle“ treffend formulierte. Die Auseinandersetzung mit der eigenen Körperlichkeit ist dabei eine Gratwanderung

zwischen Selbst- und Fremdbestimmtheit.

Feministisch bewußte Künstlerinnen der 70er Jahre wie Valie Export, Ulrike Rosenbach, Judy Chikago, Annette Messager oder Gina Pane haben begonnen, gerade im dem Bereich, wo Frauen am meisten von Mythen und Schönheitsvorstellungen manipuliert werden, ein selbstbestimmtes „Gegenstatement“ zu entwerfen.

Während im feministischen Aktionismus Frauen versuchten, die Körperlichkeit neu zu definieren, nämlich ihr Erscheinungsbild selbst bestimmten und sich dem männlich voyeuristischen Blick verweigerten, scheint sich die Entwicklung in der jüngeren Geschichte wieder umzukehren. Schönheitschirurgie und Eßstörungen, sowie die Darstellung des eigenen Körpers als absichtlich den voyeuristischen Blick befriedigend, sind weit verbreitete Themen im künstlerischen Kontext geworden. Dieses scheint symptomatisch für die gesellschaftliche Entwicklung geworden zu sein. Frauen unterwerfen sich scheinbar freiwillig dem vorgegebenen Schönheitsideal. Fremdbestimmheit wird nicht einmal mehr als solche wahrgenommen. Sie zu entlarven ist ein Tabubruch.

Aber: Tabus haben immer schon der Erhaltung bestehender Machtverhältnisse gedient. Und diese zu brechen war schon immer eine wichtige Voraussetzung für Entwicklung. Vielleicht ist die Zeit dazu wieder einmal reif.

Erschienen im Magazin KOSMOS Frauenschrift: Körper - Seele - Mythos August 2000